Share
În mintea multor muzicieni, producția de muzică este fie un fel de vrăjitorie, fie o suprapusă. Desi este adevarat ca este o posibilitate, de cele mai multe ori munca unui producator coboara la munca grea, experienta, cateva urechi bune si un sentiment real pentru ceea ce face ca muzica sa functioneze. Această serie despre producția de muzică este bazată pe noua mea carte, The Music Producer's Handbook, în care voi sublinia câteva tehnici de producție de bază și, sperăm, voi elimina voalul misterului din proces. Fiți conștienți de faptul că vom analiza relația unui producător cu o trupă sau un artist cu o bandă de sprijin sau muzicieni de studio. Vom aborda autoproducția mai târziu în serie.
Preproducția este momentul în care toate melodiile și aranjamentele sunt elaborate și perfecționate înainte de a intra în studio pentru a le înregistra. Ea poate avea loc într-un garaj, într-un dormitor sau într-o sală de repetiție și poate dura de la o zi la două luni.
Un program pre-producție lung este, în general, o funcție de a lucra cu artiști sau trupe care își scriu propriile cântece și sunt la începutul carierei lor, deoarece melodiile și aranjamentele necesită uneori un echilibru echilibrat. Artiștii și trupele mai târziu în carieră au, de obicei, un sentiment mai mare de aranjament și execuție muzicală și au devenit suficient de sofisticate muzical pentru a menține faza de preproducere la un nivel minim.
Nu există aproape niciodată o pre-producție pentru reclame și scoruri de film sau de televiziune, deoarece compozitorul are aranjamentul destul de bine elaborat în prealabil și muzicienii sunt suficient de pricepuți pentru a afla sau a citi pe loc.
Dacă este suficient timp, pre-producția este ruptă în trei secțiuni: înainte, în timpul și după repetiții. Fiecare dintre ele joacă un rol major în procesul de pregătire a artistului sau a trupei pentru înregistrarea reală.
Înainte de a începe prima repetiție, producătorul va lua de obicei timp să cunoască artistul sau formația și viceversa, dacă nu se cunosc bine. Trebuie să existe o perioadă în care se dezvoltă un raport și un nivel de confort pentru ca lucrurile să meargă fără probleme în studio, iar pre-producția este momentul în care se întâmplă acest lucru.
Unul dintre aspectele cele mai importante ale cunoașterii unui artist este învățarea muzicii pe care o iubește, a fost influențată și ascultă acum. O modalitate eficientă de a face acest lucru are rădăcinile sale în zilele de albume de discuri de vinil, când producătorul ar merge la casa artistului și le va arunca o grămadă de albume din colecția lor pe podea și apoi va descrie ceea ce le plăcea și nu le- cum ar fi despre fiecare dintre ele. Puteți face același lucru cu CD-urile sau puteți folosi un playlist pentru telefon, iPod sau iTunes (fără aruncarea, desigur). Printre întrebările pe care le puteți întreba ar putea fi:
Ce îți place sau nu îți place cu artistul pe care îl asculți? De ce?
Îți place sunetul înregistrării? De ce?
Ce înregistrări îți place sunetul? De ce?
Care sunt unele din înregistrările dvs. preferate? De ce?
Care sunt cele mai mari influențe ale tale? De ce?
Ce îți place de munca mea (producătorul - dacă ai deja un corp de lucru)? De ce?
Aceste întrebări dau producătorului o înțelegere a influențelor, preferințelor și dislikelor artistului, care oferă apoi producătorului o imagine mai bună a ceea ce artistul sau trupa trebuie să le audă despre viitoarea înregistrare.
Este, de asemenea, important să mergeți la cină împreună, să vă petreceți și să vă simțiți pentru unele dintre problemele legate de butonul fierbinte. De exemplu, dacă cântărețul se simte puternic în privința imigrației (sau oricare dintre ele) sau dacă starea actuală a politicii locale sau naționale incite o revoltă aproape între membrii trupei, producătorul știe apoi să stea departe de aceste probleme pentru a obține o muncă eficientă mai târziu în timpul producției. Dacă prietena bateristului tocmai sa despărțit de el și se simte destul de deprimat, este bine să știi să nu te duci nicăieri în apropierea subiectului dacă vrei să obții o performanță extraordinară. Pe de altă parte, poate veți obține o performanță mai bună dacă subiectul este crescut, deci este timpul să aflați ce cale să faceți.
În timp ce producătorul se poate alătura cu politica artiștilor sau a trupei sau poate da un frate mai mare ajutând-o pe mâna unui jucător deprimat la momentul potrivit pentru a muta proiectul, ideea este să păstreze trupa concentrată asupra sarcinii la îndemână, care face muzica minunata. Asta înseamnă a menține distragerile la minimum, în special cele care se auto-provocă, cum ar fi controverse despre alte lucruri decât muzica.
Un alt lucru important pentru producătorul de a dezvolta este un set de reguli de bază pentru a lucra în studio în timpul pre-producției. Dacă producătorul spune în prim plan: "Vom lucra de la prânz până la ora 9:00 în fiecare zi, dacă nu ajungem la un turneu, dar vă promit că veți fi acasă până la miezul nopții", jucătorii tind să rămână mai concentrați, deoarece știu ce este așteptat de la ei și pentru cât timp (timpul de lucru se va schimba în funcție de artist, desigur). Atunci când o rutină este înființată înainte de mână, aceasta face o mare diferență în pregătirea zilnică a jucătorilor, chiar și acolo unde este mai probabil să ajungă acolo la timp, deoarece timpul de start este același în fiecare zi. Acest lucru ajută, de asemenea, dacă vreun jucător are o familie, deoarece îi dă o viață normală în timpul vieții sale.
Bineînțeles, dacă cântărețul nu poate crăpa decât până la ora 5:00, moment în care vocea lui se deschide magic cu cea a unui înger, producătorul trebuie să fie suficient de inteligent pentru a nu programa nici o sesiune vocală în acel moment. Și asta face parte din ceea ce face preproducția - permite producătorului să învețe punctele forte și quirks ale jucătorilor pentru a obține cele mai multe dintre ele atunci când contează.
Regulile de bază se vor extinde, de obicei, dincolo de timpul de început și de sfârșit. Oaspeții sunt bineveniți în studio? Dacă da, când? Sunt permise alcool sau droguri (de obicei, nu este o alegere bună)? Trebuie ca un membru al trupei să fie acolo dacă nu se joacă (cum ar fi în timpul jocurilor)? Acestea sunt doar câteva dintre lucrurile pe care trebuie să le realizăm și timpul necesar pentru a face acest lucru este în timpul pre-producției.
Ridicarea reala a pre-productiei se face in timpul repetitiilor. Poți deveni prieteni cu artistul sau formația și îți poți da seama de ciudățenii, butoanele, plăcile și nu-i place, dar tot trebuie să faci muzică destul de în formă ca să poți înregistra, și asta se poate întâmpla doar în timpul repetițiilor. Acesta este de fapt un proces în trei etape, defalcat în cântece, aranjamente și execuția spectacolului. Să ne uităm la fiecare.
Tu (producătorul) probabil ați ascultat demo-uri sau spectacole de repetiție înregistrate ale cântecelor înainte de începutul repetițiilor, dar niciodată nu știți exact ce formă sunt înăuntru până când le auziți cu adevărat, și asta înseamnă fie la spectacol sau în timpul repetiției.
Dacă piesele sunt construite bine, starea de pregătire a melodiilor pentru înregistrare depinde de aranjamentele și execuția acestor aranjamente. Dacă un cântec nu are formă sau este incomplet, producătorul trebuie să-l ajute pe scriitor să-l bată într-o formă mai bună sau să găsească o melodie alternativă.
Deși scrierea de cântece este ea însăși un proces prea complex pentru a acoperi în profunzime acest post, iată câteva probleme frecvente de scriere a pieselor pe care trebuie să le căutați:
Fără focalizare - Acest lucru înseamnă că piesa meandrește de la coardă la coardă fără o structură aparentă și fără o distincție clară între secțiuni. Acest lucru este rezultatul lipsei de a cânta destul (sau deloc) cântecul și de a gândi că sa terminat înainte de timpul. Uneori există într-adevăr un cântec acolo dacă îl îndoiți puțin, dar de obicei singura modalitate de ao repara este să vă întoarceți la desen pentru o rescriere majoră.
Un cor slab - Un cor care este interesant este de obicei unul diferit de verset. Poate fi doar puțin diferit, cum ar fi adăugarea vocalului de fundal sau a unui alt instrument sau un accent sau anticipare a acelorași modificări și melodii ale coardei (cum ar fi Michael Jackson's Nu te opri până nu ajungi cu dopul de coarde și cu cornul, sau cu Coldplay Ceasuri cu revenirea riff-ului de deschidere). Sau va fi mult diferit, ca un set diferit de schimbări ale coardei sau melodie combinată cu schimbări de aranjament cum ar fi amețeală de către U2. Oricum, ceva trebuie să se schimbe în cor pentru a ridica energia și pentru a păstra piesa memorabilă.
Nici un pod - În scrierea melodiilor, un pod este un interludiu care conectează două părți ale cântecului, construind o legătură armonică între aceste părți prin creșterea sau scăderea tensiunii. Un pod este important deoarece oferă o calitate de bază găsită în toate formele de artă - tensiune și eliberare (în muzică mergând de la zgomotos la liniștită sau liniștită la voce, în pictura mergând de la culori întunecate la lumină, în fotografie ar fi ușoară umbre, etc), pentru a păstra lucrurile interesante. Aproape fiecare melodie grozavă are un pod, dar există excepții ocazionale. Cântecele care se bazează pe blues direct de 12 bari frecvent nu au poduri, dar ar putea folosi dinamica sau aranjamentul pentru a asigura tensiunea și eliberarea.
Indiferent de numărul de cântece pe care intenționați să le înregistrați, de obicei doriți să aveți un cântec suplimentar sau două în buzunar pentru câteva motive:
Poate că totul despre sesiune va fi magic, trupa va suna minunat, iar execuția va fi atât de precisă încât să ardeți prin cântecele pe care doriți să le faceți și să aveți mai mult timp în plus. Acest lucru se întâmplă foarte greu, dar dacă este bine, puteți să profitați de șirul fierbinte și să aveți un cantec suplimentar sau două gata de plecare.
Una dintre melodii nu sună atât de grozav, indiferent de ce faci. Simtul nu este bine, canalul este plecat, temperatura e pe fereastră - se întâmplă, deci este mai bine să treci la altceva, ceea ce se poate întâmpla numai dacă ai ceva extra pregătit.
În unele moduri, este mai ușor să înveți despre aranjamente prin căutarea la ceea ce face cel mai rău unul. Indiferent ce fel de muzică este, de la rock la țară la goth la rock-a-billy pentru muzica spațială extraterestră, vrei ca melodia să fie interesantă pentru audiența ta specială, așa că ai grijă de oricare dintre următoarele:
Secțiuni care sunt prea lungi - Dacă nu sunteți extrem de realizat sau nu faceți un stil de muzică în cazul în care acest lucru nu se aplică, ideea este de a păstra toate părțile interesante și la punct. Intrările de două minute, solo-urile de chitară de trei minute și outros-urile de cinci minute sunt aproape întotdeauna plictisitoare, așa că ești mereu mai bine pentru a avea o secțiune prea scurtă, mai degrabă decât prea lungă. Există excepții (clasicul lui Lynard Skynard Pasare libera, cu modificările ușoare ale aranjamentului, lovituri și accente la fiecare 16 de baruri, vine în minte), dar de obicei necesită o mulțime de abilități de organizare pentru al scoate.
Nu există cârlige intro / outro - Dacă vorbim despre muzică populară modernă (nu jazz sau clasică), majoritatea melodiilor au o linie instrumentală (sau un cârlig) pe care o veți auzi la începutul melodiei, poate din nou în cor și oricând intro repetă în cântec. Un exemplu foarte bun ar fi lansarea riff-ului de chitara la Stone's Satisfacţie sau pianul din filmul lui Coldplay Ceasuri. Dezvoltarea cârligelor intro / outro este una dintre marile locuri de muncă care se confruntă întotdeauna cu producătorul.
Instrumente care se ciocnesc - Dacă se joacă prea multe instrumente în aceeași gamă de frecvențe, se vor ciocni. Acest lucru se întâlnește, în general, atunci când există doi jucători de chitară care joacă jocuri similare (ambii au Strats și Marshalls, de exemplu), dar se poate întâmpla între oricare două instrumente. Este de datoria producătorilor să schimbe registrul, să schimbe piesa, să schimbe linia sau să schimbe sunetul pentru a face totul potrivit.
Cântece din gama pentru cântăreață - Haideți să ne confruntăm cu asta, unele melodii scrise pe și pentru chitară sună mai bine la A sau E, dar asta nu înseamnă că cântărețul poate să-l cânte la chei. Este sarcina producătorului să se asigure că piesa se află în cheia care face ca cântăreața să strălucească, dar nu jefuiesc cântecul esenței sau sunetului său (uneori o comandă înaltă).
Puteți avea melodii grozave și aranjamente excelente, dar dacă nu puteți executa spectacolul, acesta nu va mai suna bine. Este inevitabil ca producătorul să se confrunte cu problema "De ce nu sună bine acest cântec (sau parte din melodie)?" Poate că se va simți grozav într-o singură trecere și nu la fel de bun pe următoarea. Poate sună minunat, cu excepția unei secțiuni. Poate că nu a sunat niciodată grozav, dar credeți că piesa are ceva special și sunt dispuși să-și petreacă timpul de lucru.
În timp ce muzica este construită în jurul valorii de evazivitate a "simțului", care poate fi foarte greu de definit, există anumite mecanici care determină cât de strâns este muzica, iar pentru lipsa unui termen mai bun, cât de "mare" sună. Aceste principii se aplică oricărui tip de muzică, de la trupa de mers până la casa adâncă până la reggaeton, pentru a accelera metalul, principiile fiind toate la fel. Dacă ceva nu sună "corect", probabil se datorează uneia dintre următoarele.
Redarea cu dinamica înseamnă să joci cu o intensitate mai mică în anumite locuri într-o melodie și mai intensă sau cu o intensitate mai mare în alte locuri. Majoritatea trupelor tinere nu cunosc dinamica și joacă la un volum în întreaga melodie (sau toate melodiile, de pildă), care pot fi plictisitoare pentru ascultător foarte repede. Dacă formația cânta în mod dinamic cântecul, melodia respinge volumul. Mergând de la voce tare la liniștită sau liniștită la voce este un alt exemplu de "tensiune și eliberare".
Secretul real de a juca în mod dinamic este următorul: Când jucați cu voce tare, jucați cât de tare puteți, iar când jucați încet, jucați cât mai încet posibil, găsiți un al treilea nivel între!
Pentru un exemplu foarte bun de dinamică, ascultați Miroase a spirit de echipă de Nirvana, unde versurile sunt liniștite, pre-corourile sunt mai tari, iar corurile doar blestemă.
Există trei părți la sincronizare, care, dacă nu sunt efectuate în același mod de către fiecare membru al trupei, fac ca melodia să nu aibă sunet: melodia începe și se oprește, canelurile, atacurile și lansările. Să ne uităm la fiecare.
Cântecul începe și se oprește (începutul și sfârșitul) - Ați putea să sunați după începerea melodiilor și să oprească "începutul și sfârșitul", cu excepția faptului că uneori există opriri și începe în mijlocul unei melodii. Trucul aici este să vă asigurați că toată lumea începe și oprește melodia în același timp. Acestea nu pot fi lăsate mai târziu, sau tratate cu o atitudine "Este mai bine în studio". Repetați fiecare pornire și opriți până când toată lumea este blocată și o cunoaște ca pe spatele mâinii! Dacă încă nu sună imediat după cinci sau șase încercări, întrebați fiecare membru al trupei: "Cum îl jucați?". Ca și în cazul celor mai multe lucruri care nu se blochează, există cel puțin un jucător care poate juca lucruri puțin diferit de restul. Indiferent de cum începe sau se termină melodia, toată lumea trebuie să o joace în același mod - fără excepții.
Groove - TOATE muzica buna, indiferent daca este Rock, Jazz, Classical, Rap sau ceva muzica spatiala noua pe care nu am auzit-o inca, are o grosime puternica. Veți auzi întotdeauna despre "groove", dar ce este?
Groove este pulsul cântecului și modul în care instrumentele dă dinamic cu el.
O concepție greșită obișnuită a unui canal este că trebuie să aibă timp perfect, dar o canelură este creată de tensiune împotriva timpului egal. Asta înseamnă că nu trebuie să fie perfect, doar chiar, iar toate spectacolele nu trebuie să aibă aceeași valoare de "eveniment". De fapt, face ca canelura să se simtă rigidă dacă este prea perfectă. Acesta este motivul pentru cuantizarea pieselor și alunecarea fiecărei lovituri într-o stație de lucru atunci când înregistrați frecvent duce la scăderea vieții dintr-o melodie. Este prea perfect pentru că nu există tensiune. A pierdut canelura.
Obținerea secțiunii de ritm pentru a cânta cu restul trupei este mult mai dificilă decât ați putea crede, deoarece chitaristii nu ascultă întotdeauna bateristul, un clasicist poate avea timp metronomic și totuși are un timp dificil să-și coordoneze mâna stângă cu basistul și vocalistii vor uita de multe ori că există o trupă care se joacă în spatele lor în totalitate. Cheia este pentru toți cei din grup să se asculte unul pe celălalt!
Atacuri și lansări - Atacurile și eliberările (uneori numite "articulații") sunt unul dintre cele mai uitate și totuși cele mai importante elemente de a juca împreună. Atacurile și lansările se referă de obicei la o expresie pe care o jucați sau cântați. Partea de atac este ușoară - toată lumea începe să cânte sau să cânte exact în același timp în același mod. Versiunile sunt ceea ce este trecut cu vederea. O versiune este modul în care terminați o frază și este la fel de important ca și cum îl porniți. Încă o dată, toată lumea trebuie să o joace exact la fel.
O altă parte adesea trecuta peste o piesă care trebuie să fie strânsă este schimbarea între secțiuni, cum ar fi unul sau două bare între versuri și cor, cor și versuri, versuri și outro, cor și pod etc. Această parte necesită o mulțime de focalizați deoarece este de obicei redat puțin diferit față de restul secțiunii. Pentru baterist, este de obicei o rolă sau o lovitură în secțiunea următoare, dar dacă nu este o construcție, majoritatea jucătorilor care nu au experiență în înregistrare vor juca uneori doar la întâmplare ceva peste rol. Acest lucru nu va funcționa așa cum veți găsi o revenire necesită o linie precisă care trebuie să joace să fie jucat pentru a rămâne strans cu tobe.
Fiecare melodie are nevoie de tempo perfect pentru a canta. Unul dintre lucrurile pe care le descoperim devreme când facem înregistrări este că doar o singură BPM (bate pe minut) poate face o mare diferență în modul în care se simte un cântec. Doar puțin lent și cântecul pare să tragă; un pic mai rapid și se simte incomod sau devine dificil de jucat. Prin urmare, este foarte important să stabiliți BPM-ul ideal al melodiei înainte de al înregistra.
Nu contează cât de repede se fac repetițiile de pre-producție, este foarte important să faci o înregistrare demo pre-producție, de preferință undeva în afara spațiului de repetiție, pentru că niciodată nu știi cu adevărat ce jucători joacă până când este înregistrat. De asemenea, este important să scoți trupa din mediul său de repetiție sigur și confortabil, astfel încât să știe că atunci când lucrurile sună diferit într-un mediu nou (așa cum o vor), nu este neapărat un lucru negativ.
Demo-ul de pre-producție nu trebuie să fie costisitor și nu trebuie să dureze prea mult. De fapt, cu cât sunt mai ieftine și mai rapide, cu atât mai bine. Ceea ce incerci sa inveti este cat de bine toata lumea joaca impreuna si daca aranjamentele si structurile cântecului de fapt functioneaza, deci cateva treceri ale fiecarui cântec cel mult este tot ceea ce este necesar daca nu exista o epavă majoră a trenului. Greselile de performanță sunt în regulă, atâta timp cât puteți auzi forma completă a piesei, și nu vă faceți griji cu privire la depășirea sau stratificarea, cu excepția unei scurte încercări pentru a verifica o idee. Perfecțiunea nu este obiectivul pentru demo, informații despre structura cântecului, aranjament și componentele individuale.
După ce ați ascultat înregistrarea (chiar ascultând redarea în timpul înregistrării), ar trebui să fie evident ce trebuie să fie fixat sau îmbunătățit, care ar trebui să aibă loc la o altă rundă de repetiții. De asemenea, îi va ajuta pe jucători să audă ce joacă împotriva tuturor celorlalți. Nu este neobișnuit să auzi comentarii cum ar fi "Nu știam că jucați așa", în timpul redării.
Ideea din spatele tuturor acestor lucruri este de a scoate piesele în jos astfel încât înregistrarea reală să se facă eficient fără surprize, iar jucătorii trebuie să se concentreze doar pe performanțele lor, în loc să trebuiască să învețe noi părți. De multe ori, până când un jucător învață noua parte a studioului, performanța lui a suferit atât de mult încât este nevoie de o sesiune suplimentară pentru a capta o performanță extraordinară. Preproducția sperăm că o elimină.
În următorul post, vom analiza colaborarea cu un artist sau o trupă în studio.
Accentsconagua