Share
Eticheta "fotograf peisaj" este ușor de utilizat de majoritatea oamenilor atunci când se confruntă cu fotografiile lui Guy Tal. Dar autorul nu este un "fotograf peisagist", mai mult cineva care fotografiază, scrie și respiră locurile cu care este cel mai familiarizat.
Îl cunosc de mult timp pe muncitorul lui Guy Tal, dar niciodată nu am schimbat cu el nici un cuvânt până acum. Lucrarea de culoare este ceva ce admir, nu numai pentru grandiozitatea peisajului, ci și pentru liniștea care izvorăște din fiecare dreptunghi. Se simte ca deschiderea unei ferestre catre alte spatii, nu doar pentru a privi "o lovitura mare", ci si pentru ca cineva simte ca exista mai mult sens in imagine decat linii si compozitie. E emoție.
Recent, am dat peste o lucrare alb-negru de la Guy Tal și am fost emoționat și nedumerit. Culoarea și alb-negru sunt, din punctul meu de vedere, diferite discipline, așa că am simțit că am un motiv bun pentru a merge la un interviu care ar avea sens și nu numai că ar răspunde la întrebările mele. dar, de asemenea, mă aștept, pe cele pe care le-ați dori, de asemenea, să le întrebați pe Guy Tal.
În sensul larg al termenului, eu sunt un artist și scriitor cu normă întreagă, deși astfel de etichete nu prea reușesc să ofere un adevărat simț al a ceea ce fac (bănuiesc că nu sunt singură printre artiști). Am petrecut mai mult de patru decenii în diferite locuri.
Am fost un soldat, un profesor universitar, un consultant și manager de tehnologie și multe alte lucruri. Am găsit în cele din urmă chemarea mea într-o regiune îndepărtată din vestul Statelor Unite cunoscută sub numele de Platoul Colorado - un peisaj vast, frumos și slab populat de deșerturi, canioane, munți și păduri pe care l-am cunoscut în mod intim și care mi-au inspirat munca.
Ca majoritatea oamenilor, am luat prima o cameră pentru a documenta evenimentele și oamenii din viața mea. Ca adolescent, mi-a plăcut să explorez câmpurile și livezile din jurul casei mele. Într-o zi, din motive pe care nici măcar nu le pot aminti, am împrumutat vechea Minolta a tatălui meu și am mers pe jos.
Am ajuns să petrec ore întregi de fotografiat de la insecte și flori la copaci și nori. Era revigorant și interesant. Incitarea mea a fost curbata in curand cand am inregistrat filmul si am descoperit ca nici o singura imagine pe ea nu a fost expusa sau concentrata in mod corespunzator, insa experienta a fost atat de profunda incat am decis sa imbunatatesc, iar camera a devenit o companie in aproape toate explorarile mele de cand.
Mai exact, trăiesc nu numai din fotografie, ci și din predare, scriere și vorbire despre subiecte creative. Dacă nu, pasiunea mea crește doar în timp. Dacă s-ar simți vreodată o profesie de la 9 la 5, cu siguranță voi pierde interesul foarte repede. Există locuri de muncă mult mai bune decât fotografia creativă, dar nu multe vieți mai bune.
Poate că merită să remarcăm că nu comparăm ceea ce fac. Nu există niciun "fotograf Guy" distinct de "scriitorul Guy" sau "off work Guy." Există doar un singur tip, fotografia este doar un mijloc de a mă împărtăși cu lumea, dar eu nu o despart de cine sunt, sau din orice altceva pe care îl fac. Sunt o persoană foarte liniștită care preferă să lucreze în solitudine și se străduiește să creeze o muncă care conferă intimitate și introspecție.
Cred că folosirea unei astfel de categorii simpliste este adesea dăunătoare pentru un artist și ceea ce încearcă să transmită în munca sa. Când te uiți la "Starry Night" de la van Gogh, de exemplu, nu te referi la el în ceea ce privește "o pictura în ulei de un artist olandez post-impresionist" (dacă nu ai petrecut prea mult timp în Academie).
Mai degrabă, cunoașterea biografiei lui van Gogh și motivațiile care stau la baza alegerilor sale de stil, culoare, subiect și presă au o impresie mult mai profundă. Categoriile ajuta la împărțirea lucrurilor în funcție de caracteristicile obiective; dar arta, în cele din urmă, este probabil cea mai subiectivă formă de exprimare. Cu cât știți mai mult despre artist, inspirația, fundalul, filozofia și convingerile acestuia și descendența unei opere specifice, cu atât va fi mai bogată experiența dvs..
Deci, ce sunt eu? Sunt cineva care dorește să conducă o existență semnificativă, iar pentru mine aceasta înseamnă a comunica cu sălbăticia, adesea folosindu-mă ca metafore pentru a-mi interpreta propria existență și a-mi stabili propria viziune asupra lumii. Căut să fiu inspirat și să-mi împărtășesc inspirația.
Căut fericirea, nu în sensul superficial, ci în ceea ce privește o mulțumire și o satisfacție profundă și durabilă cu viața mea și găsesc că ajutând pe alții să-mi găsească același lucru își ridică propria experiență. În acest scop, caut experiențe semnificative în tot ceea ce fac, în locul pe care l-am ales pentru casa mea, în modul în care mă refer la ceilalți oameni și la lucrurile pe care le găsesc frumoase. Nu sunt sigur că există un termen simplu care să poată descrie în mod corespunzător acest lucru.
Da foarte mult. Acesta este un domeniu în care diferă de cei mai mulți fotografi de peisaj. Nu petrec mult timp urmărind lucrurile numai pentru frumusețea lor vizuală. Vreau să portrez relația mea cu peisajul pe care îl fotografiază și relația mea cu locurile din casa mea este mult mai bogată și mai complexă decât oricare altul pe care îl pot avea cu un peisaj cu care nu sunt familiar, indiferent cât de atrăgător este.
În altă ordine de idei, am mai multe de spus și mai multe povestiri despre locații care îmi sunt semnificative pentru mine, unde îmi petrec zilele și nopțile - locuri care au fost locul pentru unele dintre cele mai memorabile și importante evenimente din viață și cu care sunt familiar, decât mi-aș dori un munte, un râu sau o plajă aleatorie unde nu sunt decât un vizitator casual.
Nu doresc să documentez simplu furnirul exterior al unui loc. Vreau să ofer o interpretare a acesteia și, pentru a face acest lucru, am nevoie de un anumit nivel de familiaritate și de relații cu acesta într-o perioadă semnificativă de timp.
Aceasta este o întrebare grea pentru a răspunde într-un sens general. Cu cât interacționez mai mult cu alți artiști, cu atât mai mult recunosc că fiecare dintre noi găsim calea noastră spre munca noastră. Vorbind pentru mine, trebuie să fiu într-o anumită stare de spirit și să fiu inspirat de ceva pentru a produce o imagine bună după propriile standarde. Înainte de a deveni un artist cu normă întreagă, am locuit într-un oraș și m-am obișnuit să creez imagini ori de câte ori puteam să plec de la muncă.
La acea vreme am crezut că singura diferență dintre ceea ce făceam și cineva care o făcea profesional era timpul pe care trebuia să-l dedicăm. Am gresit. Fiind capabil să mă scufund în experiența fără distragere și să trăiesc literalmente cu subiecții mei, este o experiență foarte diferită, iar imaginile mele de astăzi nu sunt la fel ca cele pe care le-am creat atunci. Aceștia pot descrie subiecte similare, dar ele nu au același înțeles.
În aceste zile, nu mă duc în mod explicit în căutarea unor fotografii. În schimb, mă duc să mă inspir și am încredere că imaginile vor veni la mine ca parte a experienței. O imagine de trofee făcută într-o călătorie urgentă într-un loc iconic pur și simplu nu mă mișcă în același mod ca și mine care mă dezvăluie pe măsură ce călătoresc prin locuri anonime, ascultând, uitând și mirosind, luând timpul meu, ritm propriu, gândind la viață și descoperind experiența.
Peisajul și viziunea nu sunt concepte separate. Peisajul informează, inspiră și dezvoltă viziunea, iar viziunea mă permite să apreciez din ce în ce mai mult experiența de a fi în peisaj.
Trag o linie între "învățat" și "inspirat". Abilitățile pot fi predate, dar sentimentele pot fi inspirate. Îmi pot descrie propriile experiențe și de ce sunt semnificative pentru mine și sper că elevii mei vor fi inspirați să-și caute propria lor experiență. De asemenea, recunosc că diferiți oameni își pot găsi inspirația în diferite locuri, subiecte și căi. Îi încurajez să nu imite doar munca altora, ci să-și aplice instrumentele pentru a se exprima.
Nu am spus că nu sunt fotograf, ci, mai degrabă, faptul că mă referă la mine, pur și simplu, în calitate de fotograf, îmi lipsește aspectele mai importante ale cine sunt și ce fac. Fotografia este pur și simplu un set de instrumente și procese și, în virtutea folosirii instrumentelor fotografice, sunt de asemenea un fotograf și eu predau tehnici fotografice. În atelierele mele, totuși, petrec o perioadă destul de mare de timp discutând teme creative, elemente de design vizual (compoziție, culoare, percepție etc.).
Oamenii răspund în moduri diferite, ceea ce este de așteptat. Cei care vin la atelier pur și simplu pentru a se întoarce cu imagini de trofee vor urmări acele subiecte, dar mă refer la sublinierea faptului că acestea nu sunt scopul principal al atelierului.
Încerc să creez o atmosferă în care participanții nu se simt presați să concureze cu colegii lor și își pot petrece timpul practicând abilitățile învățate. Nu-i acord niciodată pe nimeni pentru o "cea mai bună imagine". În schimb, îi rog să le împărtășească munca și să explice motivațiile din spatele lor. Toate interpretările sunt valide.
Cred că separarea este mai mult una de percepție decât orice caracteristică obiectivă, cum ar fi paleta sau procesul. Este un mod diferit de a trăi un subiect sau, dimpotrivă, un mod diferit de exprimare a diferitelor semnificații.
Am experimentat o progresie foarte distinctă în abordarea mea față de munca alb-negru. În trecut, m-am trezit văzând doar ceea ce căutam. Dacă eram afară pentru a face imagini alb-negru, asta-i tot ce am văzut, și dacă am fost în căutarea de imagini color, asta-i tot ce am capturat.
Mi-am dat seama că o astfel de separare strictă era în cele din urmă o reflectare a propriilor mele limitări. Creierul meu a trebuit să se gândească la un mediu sau la altul, deoarece m-am gândit mai degrabă la imagini și la estetică, decât la interpretări.
Cu mai multă practică și pricepere, am devenit mai puțin preocupat de imagini și mai conștient de ceea ce am vrut să spun despre un anumit subiect. Alegerea mediului a devenit un produs secundar a ceea ce am dorit să spun despre un anumit subiect. Îmi place să mă gândesc la asta în ceea ce privește alfabetizarea vizuală. Cu practica, dobândești un vocabular mai mare și puterile tale de exprimare sunt extinse.
Dacă sunteți la fel de fluent în limbajul de culoare ca și în limbajul alb-negru, nu trebuie neapărat să vă gândiți la unul sau la altul, pur și simplu ajungeți la cel care se potrivește cel mai bine cu ceea ce doriți să vă exprimați. Același lucru este valabil și pentru limba vorbită. Persoanele fluente în mai multe limbi știu că unele noțiuni sunt cel mai bine exprimate sau există doar în unele limbi și nu altele.
După cum menționez într-una din cărțile mele electronice, cred că fotografierea alb-negru este unul dintre cele mai fortuite accidente din istoria artelor vizuale. De la începuturile sale și de mai multe decenii după aceea, toată fotografia a fost monocromatică și majoritatea telespectatorilor sunt condiționați de ea și nu o consideră intuitiv o abatere de la realitate.
În fiecare zi, principalele puncte de știri își însoțesc rapoartele jurnalistice faptice, cu imagini alb-negru, fără reacție. Bănuiesc că dacă fotografia color ar fi prima, nu ar fi așa.
Acestea fiind spuse, în crearea de imagini artistice, alb-negru oferă unelte și mijloace de exprimare care nu sunt posibile cu culoarea tocmai pentru că este o deviere de la realitate, care nu este percepută intuitiv ca atare.
Într-o imagine alb-negru puteți descrie un anumit subiect în aproape orice umbră, fără a afecta sensibilitatea spectatorilor. Acest lucru nu ar fi fost posibil dacă nu am fi fost atât de condiționați de atât de mulți ani să acceptăm imaginile alb-negru ca reprezentări vizuale valide. Prin simpla coincidență, istoria servește la eliberarea artiștilor alb-negru fotografi de constrângerile literale care altfel leagă fotografia color.
Eu ezită să prognozez cum mă vor cunoaște oamenii în viitor. Pentru mine, alb-negru este la fel de mult din vocabularul meu vizual ca și culoarea și îl folosesc acolo unde îmi convine. Dacă aș fi avut un cuvânt de spus în această chestiune, sper că îmi amintesc mai degrabă ca un artist, scriitor și profesor, decât constrângerile înguste ale culorii sau alb-negru.
Scopurile mele nu diferă în funcție de mediul pe care îl folosesc. Fotografia, precum și scrisul, sunt instrumentele pe care le am. Încerc să pun accent mai mult pe lucrurile pe care vreau să le exprim în lucrarea mea, mai degrabă decât pe mecanica instrumentelor folosite pentru a le exprima.
Ele sunt toate mijloacele pentru un scop; nimeni nu este mai mult sau mai puțin valabil decât ceilalți și nu mai mult sau mai puțin valabil decât alte mijloace artistice, cum ar fi pictura, muzica sau sculptura. Fiecare dintre ele are punctele forte și punctele slabe, dar nu sunt la fel de importante ca impresia pe care o fac în cele din urmă cu audiența lor.
Voi amâna înțelepciunea lui Hermann Hesse: "Nu există nicio realitate, cu excepția celei conținute în noi. De aceea, atât de mulți oameni trăiesc o astfel de viață ireală. Ei iau imaginile în afara lor pentru realitate și nu permit niciodată lumii să se afirme ".
Există o singură realitate în care lucrez în interiorul meu și aceasta este propria mea viziune asupra lumii. Poate fi exprimată în moduri diferite și în medii diferite, dar este întotdeauna aceeași realitate.
S-au spus multe despre rolul constrângerilor în artă. Pe măsură ce lăudăm libertatea artistică, constrângerile sunt vitale pentru a focaliza lucrarea, astfel încât să fie mai eficientă în atingerea efectului dorit. Și, în cele din urmă, niciunul dintre noi nu poate fi un maestru al tuturor artelor, limbilor și stilurilor.
În cele din urmă, alegem acele constrângeri care se potrivesc cel mai bine cu ceea ce dorim să exprimăm. Pentru unii, constrângerile sunt la fel de restrânse ca fotografia cu totul color sau fotografia alb-negru sau haiku, sau pentametrul iambic. Pentru alții, ele pot fi extinse la lucruri precum fotografia, poezia sau pictura.
Alții sunt încă capabili să stăpânească mai multe discipline și să producă o muncă semnificativă în toate (a fost Leonardo da Vinci un pictor - un om de știință - un inginer - un muzician - toate cele de mai sus?). Acest lucru nu reflectă în nici un fel valoarea lucrării, ci numai sensibilitățile personale ale artistului.
Cât privește cine vede mai mult sau mai puțin; unii oameni pot produce corpuri bogate de lucru doar în culori sau doar monocrome, în timp ce altele nu pot face o imagine semnificativă indiferent de numărul de mass-media în care lucrează. Distincția nu constă în instrumente, ci în minte, pricepere, imaginație și creativitatea artistului care le folosește.
În activitatea mea de astăzi, decizia nu este făcută în mod explicit, ci implicit. Dincolo de mecanica simplă de a folosi o cameră, cea mai importantă abilitate pe care o poate avea un artist fotografic este capacitatea de a vizualiza în mod eficient. Adică, să ne imaginăm toate căile posibile în care să exprimăm un concept și să alegem cel care se potrivește cel mai bine.
Cel mai adesea, aceasta înseamnă că voi ști instinctiv dacă un concept este cel mai bine portretizat în culori sau alb-negru înainte de a atinge camera. Dar aceasta nu este o regulă tare și rapidă. Natura creativității este de așa natură încât epifanii se pot întâmpla în orice moment în care sunt angajat în munca mea. Uneori îmi voi da seama după faptul că vizualizarea mea originală poate să nu fie cea mai eficientă și aș putea alege să iau imaginea într-o direcție diferită în timpul procesării.
Procesul creativ nu este unul liniar, altul decât în aspectele sale mecanice. Când vine vorba de exprimarea unui concept, ideile noi pot ghida lucrarea în moduri diferite. Este important să nu fiți blocați într-un singur rezultat posibil. Acest lucru împiedică creativitatea, care este motorul care face posibilă arta.
Răspunsul este în discuție. Tehnica este importantă, dar fără emoție, imaginație, experiență și creativitate, în cel mai bun caz, puteți spera la imagini bine lucrate. Încercați, în schimb, să faceți imagini semnificative. Acestea pot proveni numai din introspecție.
Cea mai importantă întrebare pe care o poate pune cineva despre o imagine nu este cum a fost făcută, ci de ce și de ce nu este cuprinsă în subiect sau în unelte. Trebuie să vină de la persoana din spatele camerei. Mai degrabă decât să căutați o estetică simplă, arătați să vă exprimați ceva din propria ta realizare - gândurile și sentimentele tale despre lucrurile pe care le fotografi sau despre orice altceva care poate veni prin imagine.
Cel mai simplu și mai eficient sfat este reflectat în cuvintele lui Mark Twain: dicționarul este singurul loc unde succesul vine înainte de a lucra. Experimentați, lucrați, practicați, petreceți cât mai mult timp cu subiecții, studiați, studiați, citiți, luați clase și fiți pregătiți să eșuezi mereu înainte să reușiți.
Nu există comenzi rapide. Există o mulțime de cunoștințe acolo pentru a vă ajuta să vă construiți fundația, dar întotdeauna să vă străduiți să vă exprimați ceva în munca voastră. Amintiți-vă că există o diferență între o imagine grozavă și o imagine a ceva grozav.
Cred că piața de publicare se află într-o revoluție - o democratizare, în care interesele de afaceri mari nu mai dictează ceea ce vede lumina zilei și ce nu. Cu cărți electronice, oricine poate fi un autor și poate ajunge la orice audiență.
Acest lucru are implicații financiare și creative profunde pentru oricine dorește să împărtășească munca scrisă. Cred că este un avantaj absolut atât pentru autori, cât și pentru cititori, dar nu ar trebui luat în considerare. De asemenea, impune o mai mare responsabilitate cititorilor în ceea ce privește cercetarea, filtrarea și consumarea conținutului scris.
Am intenția să ofer mai multe titluri în seria Creative (cel mai probabil adresându-se subiectelor de compoziție vizuală și tehnici de teren). De asemenea, intenționez să ofer un alt fel de cărți electronice care să exploreze, îndrăznesc să spun, mai multe aspecte filosofice ale apropierii de arta vizuală și recompensele integrării acesteia în viața cuiva.
Accentsconagua