Share
Este Ziua Internațională a Femeii, o zi axată pe aprecierea femeilor și contribuția lor la societate. Ce mod mai bun de a sărbători aici decât cu o listă de top zece de artiști influenți? Următoarea listă, într-o ordine particulară, scoate în evidență câțiva artiști fantastici care au rupt granițele, au stat influențe majore și au contribuit foarte mult la lumea artei de-a lungul istoriei și astăzi.
Născut la Paris, Franța, Vigée Le Brun (1755-1842) este cel mai cunoscut ca pictor portret în timpul perioadei decăzute din perioada Rococo. Ea a fost pictorul personal de portret al lui Marie Antoinette, care a picat regina (și uneori familia ei) de peste 30 de ori. Moștenirea proprie a lui Vigée Le Brun include sute de tablouri în mărime de peste 600 de portrete și 200 de peisaje.
Regina Marie Antoinette din FranțaMoștenirea artistică a lui Vigée Le Brun nu este ceva care tocmai a fost amintit astăzi. Ea, spre deosebire de cele mai multe femei în artă de atunci, a fost incredibil de bine cunoscută și faimoasă. Când ea și fiica ei au fugit Franța la începutul Revoluției Franceze, au călătorit în întreaga Europă, unde aristocrați au cunoscut-o și au salutat-o, permițându-i să continue să picteze în stilul ei de semnătură. Ei au făcut-o tot drumul spre Rusia, unde a pictat portrete frumoase ale reginei Catherine și ale fiicelor ei.
Contesa SkavronskaiaÎn cele din urmă, Vigée Le Brun a reușit să se întoarcă la Paris și sa reunit cu soțul ei, unde și-a depășit familia și a continuat să picteze de-a lungul vieții sale, până la sfârșitul vieții sale. Este din cauza pasiunii, stilului și abilității lui Vigée Le Brun de a influența instanța în rândul oamenilor din întreaga lume prin viața ei și dincolo de faptul că o includ pe această listă. Cariera ei prolifică este inspirată, iar gama de persoane care au comandat portrete din ea sunt incredibil de interesante.
Șansele sunt că sunteți familiarizați cu unele femei din această listă. Mary Cassatt (1844-1926), născută în Pennsylvania, este mai bine cunoscută ca un impresionist care sa axat pe femei, copii și maternitate ca subiecți pentru munca ei. Dacă ați spus la Google "Cine este doamna care pictează copii?", Probabil că veți găsi munca lui Mary Cassatt.
VarăCassatt a studiat pictura la Academia de Arte Plastice din Pennsylvania, hotărâtă să-și facă o carieră, de la vârsta de 15 ani (sau 16 surse variază) până la 21. În 1866 sa mutat în Franța, munca și studiul ei. În momentul în care femeile nu au putut participa la școala de artă, ea a luat lecții private în schimb, fără să se mai abată vreodată de la obiectivul ei: o carieră ca artist. În 1868, lucrarea lui Cassatt, Un jucător cu mandolin, a fost selectat pentru Salonul de la Paris, expoziția de artă oficială a Académie des Beaux-Arts. Ea a fost una dintre primele femei americane care au fost acceptate în expoziție.
Din păcate, a trebuit să părăsească Franța în 1870 pentru a evita să fie prinsă în războiul franco-prusian. Acest lucru a însemnat că eforturile sale artistice au avut un succes, deoarece tatăl ei încă nu a susținut alegerile carierei sale și chiar a făcut-o să se gândească să renunțe la obiectivele sale datorită lipsei de sprijin și de inspirație. Din fericire, a reușit să se întoarcă în Europa după ce a fost comandată de arhiepiscopul de Pittsburgh să picteze copii ale pictorului maestru Correggio din Parma, Italia.
Cusatura mama tânărăÎn timp ce sa întors în Europa, opera sa a avut un stil impresionist și sa împrietenit cu Edgar Degas, un coleg impresionist și bine-cunoscut artist pastel. Este această prietenie care a inspirat-o să continue pe drumul ei, în cele din urmă înflorind stilul pe care îl cunoaște cel mai mult: pictor portret al femeilor și al copiilor.
Povestea ei este truncată aici cu siguranță (deși poate fi una dintre cele mai lungi din această listă), dar am vrut să subliniez persistența ei în atingerea obiectivelor ei, oprindu-se la nimic pentru a crea arta și a lăsa o impresie de neșters asupra lumii.
Harriet Powers (1837-1910) a fost un sclav eliberat afro-american, care a creat în secolul al XIX-lea frumoase păpușă de povestiri. Harriet sa născut în sclavie cu 30 de ani înainte de războiul civil american.
Biblia QuiltPentru o lungă perioadă de timp se credea că blocurile ei de căprioară, cele mai multe dintre ele retrăgând poveștile biblice, se bazau pe povestiri spuse ei. Mulțumită unei scrisori scrise de Harriet, care a apărut în 2009, știm acum că ea era o femeie care a transformat povești bine-cunoscute pe care le-a citit în capodopere de pictură, în tradiția de fabricare a lenjeriei.
Prășinile lui Harriet au fost prezentate pentru prima oară la un târg de bumbac la sfârșitul anilor 1880, doar vânzând în cele din urmă o pălărie când a întâmpinat probleme financiare mai târziu. Cumpărătorul căptușelii, Jennie Smith, a înregistrat semnificația și povestea pălăriei, așa cum i-a spus Harriet, permițându-ne să înțelegem mai multe despre povestirile complicate din lucrarea lui Harriet.
Pictura picturaleImpodobite, cusute și brodate manual, păturile lor sunt piese de artă fenomenale, ilustrând cu un mediu care este o alternativă la vopsea sau creion. Cred că povestea lui Harriet este importantă pentru a împărtăși istoria țării sale și experiențele ei, precum și abilitățile pe care le-a arătat în arta populară. Fiind în măsură să se conecteze cu astfel de piese de astăzi și văzând artiștii continuă aceste tradiții aduce astfel de competență cerc complet.
Este greu de imaginat imaginile din America de Sud-Vest sau flori abstracte fără picturile lui Georgia O'Keeffe (1887-1986). Originar din Wisconsin, acest artist din Midwestern a studiat pictura la Institutul de Arte din Chicago la începutul secolului al XX-lea, unde sa antrenat în tradiția mimetică, în care arta imită sau reprezintă natura. Ea însă era nemulțumită de munca ei în această teorie și a decis să nu mai urmeze o carieră ca artist.
Lumina IrisuluiAbia după ce a studiat sub Arthur Wesley Dow, ea a fost inspirată să se îndepărteze de realism și să experimenteze abstractizarea lumii din jurul ei. Ea a remarcat ca fiind unul dintre primii artiști americani care au renunțat la realism în acest fel și au vestit o nouă epocă a artei americane: abstracție pură.
În 1916, un prieten al ei a arătat o parte din aceste lucrări lui Alfred Stieglitz, un distribuitor de artă și un fotograf bine-cunoscut. El și-a expus lucrările la galeria sa, 291. Acest lucru nu numai că a dat startul carierei sale ca artist pe care îl cunoaștem astăzi, dar, de asemenea, am dat startul relației lor și eventuală căsătorie.
Activitatea lui O'Keeffe a variat de la subiecți organici, cum ar fi aproape și abstracții de flori, la structuri artificiale, cum ar fi clădirile din New York, unde locuia și lucra. Interesant este că o mare parte din lucrarea ei orientată pe flori este privită ca și reprezentând genitalia feminină, deși O'Keeffe a respins aceste interpretări.
În cele din urmă, sa obosit de aceste subiecte și a făcut o călătorie în New Mexico, unde peisaje și iconografie au inspirat munca ei atât de mult încât în cele din urmă sa mutat acolo. Popularitatea operei ei nu a cedat niciodată, indiferent de subiectul pe care la luat.
De la Faraway, în apropiereFie intenționat sau nu, O'Keeffe a fost un trendsetter; munca ei a coincis cu tendințele artistice (flori și modernismul american anterior, iar acum peisaje și scene regionale). Ea a pictat neasistate bine în anii ei, și când vederea ei a eșuat, ea a lucrat cu asistenți, creând motivații bine-iubite din memoria ei.
Frida Kahlo (1907-1954), pictor surrealist mexican, este cel mai bine cunoscut pentru autoportretele ei strălucitoare colorate și ciudate. Ca un copil, ea a contractat poliomielita, ceea ce ia făcut ca piciorul drept să fie mai subțire, ceva ce ea a ascuns în fuste lungi pentru o mare parte din viața ei.
La vârsta de 18 ani se afla într-un accident de autobuz, care a părăsit-o cu mai multe răni grave, dintre care majoritatea se recuperează, dar au avut efecte de durată asupra corpului ei, inclusiv o viață de episoade dureroase și probleme de reproducere, subiectul artei sale. În momentul accidentului, ea studiase medicina, dar o abandonează și începe să picteze în timp ce era imobilizată în timpul recuperării.
Autoportret cu o maimuțăDe-a lungul vieții, Frida a pictat peste 140 de pictură, dintre care 55 au fost autoportrete. Lucrarea ei era strălucitoare și plină de culoare, influențată puternic de cultura ei mexicană. Temele comune au inclus expresii simbolice ale provocărilor sale fizice și ale stării psihologice. Ea este citată spunând: "Nu am vopsit niciodată vise. Am pictat realitatea mea. "
Realitatea lui Kahlo a inclus o căsătorie tumultuoasă despre pictorul Diego Rivera, care sprijină în mod deschis comunismul și prietenii cu Pablo Picasso, Leon Trotsky și Marcel Duchamp. Corpul ei de lucru a crescut și a crescut în timp, prezentându-și luptele cu îmbrăcăminte spate, operații spinale și durerea fizică și psihică cronică.
Cerbul rănitLucrarea lui Frida a fost plină de emoție, de pasiune și de multe ori sa întors spre interior, dându-i lumii o perspectivă asupra minții și a stării sale. Indiferent dacă sunteți de acord cu politica ei sau nu, idealurile ei nu au fost niciodată ascunse în munca sau viața ei. Și ca atare, nu și-a ascuns luptele cu depresie sau durere. Ea a comis aceste gânduri și sentimente la panza și a împărtășit tot ceea ce ea a simțit, creativ, cu lumea.
Caterina van Hemessen a fost un pictor renascentist flamand, care a locuit între 1528-1587 (sau acolo) și este cel mai cunoscut pentru că a fost primul pictor care a creat un autoportret care ilustrează un artist la șevaletul lor. Cu autoportoportul o caracteristică comună a artiștilor (și a umanității, într-adevăr), este uimitor să credem că până în secolul al XVI-lea un artist sa arătat la locul de muncă în cadrul operei.
Auto portretSpre deosebire de ceilalți artiști din această listă, corpul de lucru al lui Van Hemessen este mic și anii picturii au fost scurți. Probabil antrenată de tatăl ei, pictorul Jan Sanders van Hemessen, Caterina era în primul rând un pictor portret. O temă obișnuită văzută în munca ei, bărbații bogați în haine de lux, pe un fundal întunecat, se datorează probabil picturilor comandate de patroni bogați.
Se spune că lucrarea ei se oprește în 1554, în perioada în care sa căsătorit, o întâlnire obișnuită în acea perioadă. Deși, având în vedere că a murit câțiva ani mai târziu, este într-adevăr necunoscut dacă ar fi reluat pictura din nou mai târziu în viață.
Portretul unei doamneAm inclus-o pe această listă pentru a influența atât de mulți artiști în portrete și în portrete. Nu fiecare artist produce o muncă pentru totdeauna, dar pentru a fi remarcat ca artistul care a dat startul tendinței autoportretelor la șevalete este destul de influentă pentru mine.
Sofonisba Anguissola a fost un pictor renascentist italian care a locuit între anii 1532-1625. Educația de artă a lui Sofonisba a venit din studierea lui Bernardino Campi și Bernardino Gatti. Acest lucru a stabilit, în sfârșit, un precedent pentru ca femeile să fie acceptate ca ucenici și studenți ai artei plastice. Tatăl ei a încurajat-o pe ea și pe surorile ei în eforturile lor artistice, probabil mai mult decât ar fi experimentat la acea vreme alte femei.
Autoportret la șevaletEste o problemă comună pe toată această listă: încurajarea aparent anachronică a femeilor de a-și atinge obiectivele și de a visa pentru un viitor plin de creație artistică conduce la un mare succes - sau cel puțin la fel de mult succes pe care femeile l-ar putea atinge în timpul lor. Pentru Sofonisba, aceasta însemna că ea nu a fost capabilă să studieze anatomia și trăirea vieții ca bărbați (pentru mulți, mulți ani, femeile nu aveau voie să studieze forma umană goală).
Pentru a contracara aceste limite ridicole, Sofonisba a pictat portrete informale ale membrilor familiei sau ei înșiși. Unul din piesele ei, Lucia, Minerva și Europa Anguissola joacă șah, își arată surorile în uz formal, cu expresii informale. În acel moment, portretele italiene erau rigide și formale. Ea a creat expresii naturale și a inaugurat conceptul de a picta oamenii așa cum erau, mai degrabă decât așa cum voiau să fie văzuți (versiuni idealizate). În plus, jocul de șah a fost popular, dar de obicei este văzut doar ca ceva pentru băieți sau bărbați datorită folosirii logicii și strategiei.
Lucia, Minerva și Europa Anguissola joacă șahLa sfârșitul anilor 1550, Sofonisba era bine cunoscută și a fost invitată în Spania să fie pictorul curții regelui Filip al II-lea. Avea o reședință în instanță de 14 ani, pictează portrete și servea ca mentor artistic Reginei Elisabeta din Spania și fiicele ei. În timp sa căsătorit, a trăit în Palermo, și-a pierdut soțul, sa mutat în Genova și sa recăsătorit. A devenit premierul pictor portret de la Genova până când sa mutat înapoi în Palermo cu întârziere în viața ei.
Ultimul ei autoportret este listat ca fiind pictat în 1620. În anii ei de amurg a devenit un mare patron al artelor, care nu mai este în măsură să vadă bine și să se contribuie din cauza cataractei și a vederii nereușite. Sofonisba sa sculat deasupra limitelor pe care le-a pus societatea asupra genului ei, pictând mult până la vârsta înaintată și stabilindu-se, din când în când, ca o forță artistică care urma să fie socotită mult timp după ce mulți dintre contemporanii ei au dispărut.
Artemisia Gentileschi a fost un pictor italian baroc, care a locuit între anii 1593-1653 (sau acolo). Ea a fost considerată una dintre cele mai mari femei în artă în timpul vieții sale, concentrându-se pe idei progresive despre femei care nu au fost văzute public la acel moment.
Gentileschi a fost prezentată artei datorită tatălui ei, pictorului Orazio Gentileschi, puternic influențată de pictorul italian Caravaggio. Lucrarea ei, spre deosebire de tatăl ei, a fost totuși foarte naturalistă, nu idealizată, și a câștigat mare recunoaștere pentru ea.
Susanna și BătrâniiO pictura notabila mai devreme de Gentileschi este Susanna și Bătrânii. Povestea piesei provine din Cartea lui Daniel, reprezentând o femeie pe nume Susanna, care a fost acuzată în mod fals de doi bătrâni înfiorători. În poveste, Susanna refuză să fie șantajată, arestată și aproape că este ucisă înainte ca Daniel să o salveze, întrebând bătrânii și arătându-i că sunt mincinoși.
Această piesă este notabilă deoarece pictura lui Artemisia se concentrează pe emoția lui Susanna, arătând voyeurismul ca fiind o experiență traumatizantă. La vremea respectivă, puțini artiști au reprezentat această poveste în acest fel; puțini artiști s-au concentrat pe experiența unei femei.
În 1612 a fost intentat un proces împotriva lui Agostino Tassi, o artistă pe care Artemisia a studiat-o, pentru că a violat-o. Tassi a manipulat Artemisia după viol, promițând căsătoria pentru a restabili noțiunea de "virtute" a culturii. Procesul a fost foarte publicat și a scos la iveală adevăratele intenții ale lui Tassi de a ucide Artemisia și de a fura picturile lui Orazio. Tassi a fost condamnat doar la un an de închisoare și niciodată nu a servit timpul.
Judith și servitoarele eiAceste evenimente au schimbat pentru totdeauna lucrarea lui Artemisia Gentileschi: violul ei, decizia instanței, lipsa de ajutor din partea femeilor în viața ei și experiența procesului însuși. Lucrarea ei sa concentrat asupra imaginilor de solidaritate dintre femei, femei puternice și reprezentări grafice care au servit ca o catharsis pentru ea. Multe dintre picturile ei de femei puternice sunt considerate ca seamănă cu Artemisia.
A pictat pe tot parcursul vieții și a fost foarte apreciată. Lucrarea ei după moartea ei, totuși, fusese prezentată greșit, adesea atribuită tatălui ei. Mulțumită cercetătorilor de artă, totuși, credința pentru munca și moștenirea ei a fost restaurată.
Am inclus-o în această listă nu numai pentru influența ei și faima ei în timpul vieții, fiind un artist realizat fantastic, ci pentru un accent aparent anacronist pe femeile puternice și experiențele ei ca femeie în secolul al XVII-lea.
Marianne North (1830-1890) a fost biolog și artist botanic care a pictat în primul rând în era victoriană. Marianne a călătorit în lume cu tatăl ei, studiind plante și pictează tot ce putea. Când tatăl ei a murit în 1870, ea a decis să continue să călătorească singură, trăgând prin junglă, dormind pe pământ și vizitând în cele din urmă fiecare continent pe care-l putea, strâns sute de picturi din lumea naturală.
Fructele Durian de la un copac mare, Sarawak, BorneoPicturile ei sunt mult mai vibrante decât omologii lor din viața reală, destul de diferită de cele ale altor artiști botanici. Stilul ei a fost rapid și a avut tendința de a fi impresionist, permițându-i să completeze rapid picturile și probabil să ducă la natura ei prolifică.
Numărul de plante și organisme pe care le-a documentat în picturile sale a adus mai multă valoare decât oricând la utilitatea lor în biologie. Fără ușurința fotografiei, lucrarea ei a servit și servește în continuare ca o resursă importantă pentru studierea lumii naturale. Diverse plante au fost numite în onoarea ei, inclusiv un întreg gen de plante numit Northia.
Nepenthes northianaAm inclus Marianne în această listă nu numai pentru calitățile ei și pentru aventurile ei naturii, călătorind în lume pe cont propriu și urmărind pasiunea ei, dar pentru contribuțiile ei la știință și înțelegerea noastră a lumii naturale.
Beatrix Potter (1866-1943) este un naturalist incredibil de bine cunoscut, conservator, ilustrator și scriitor. Este foarte probabil că ați citit o parte din munca ei ca un copil, cum ar fi The Tale of Peter Rabbit. Nascut in Anglia unei familii bogate, Beatrix a avut un interes in lumea naturala de la o varsta frageda.
Peter RabbitActivitatea timpurie a ei se axează pe micologie și ilustrații științifice. În acest timp, a studiat diverse specimene vii de ciuperci. Multe dintre desenele sale și picturile de fungi au fost date Muzeului și Bibliotecii Armitt și servesc drept resursă pentru micologi până în prezent.
Influențat de basm, Beatrix sa întors să povestească povestiri cu desene superbe și picturi de animale. În 1901, după ce nu a reușit să găsească un editor pentru cartea sa mock-up spunând povestea iepurilor, ea a publicat pe cont propriu. Datorită ajutorului unui prieten de familie, cartea ei, Povestea lui Peter Rabbit, a fost publicată de Frederick Warne & Co în 1902.
A creat 23 de cărți care prezintă povestile animalelor mici pe parcursul a 20 de ani. Destul de înțelept, Beatrix a creat și a brevetat o păpușă Peter Rabbit în 1903, prima din multe bucăți de mărfuri bazate pe cărțile și ilustrațiile ei. Aceste produse au fost licențiate de către editorul ei, permițându-i să obțină venituri dincolo de sfera cărților și un impuls suplimentar pentru editorul ei.
Simpkin la Noptiera CroitoruluiBeatrix sa mutat în mediul rural, a continuat să scrie și să ilustreze și a devenit fermier de oi. A fost respectată în comunitatea ei, ea a fost nominalizată ca președintă a Asociației Sheepbreeders "The Herdwick", prima femeie care a făcut-o vreodată, dar a murit în același an înainte de a deține funcția.
Am ales Beatrix pentru această listă nu numai pentru călătoarea și pasiunea sa ca artist, ci și pentru strădania ei de afaceri, protejând inteligent munca ei și creând o impresie de durată pe generații care să vină cu poveștile și ilustrațiile ei.
Această listă este prea scurtă și incompletă, fiind doar 10 femei fantastice în artă. Există atât de multe femei strălucitoare și interesante care au creat opere de artă într-o varietate de medii de-a lungul întregii istorii. Vă implor să citiți despre viața artiștilor istorici și contemporani într-o varietate de discipline. Puteți începe cu un articol despre femei în fotografie:
Cine sunt unele dintre femeile tale preferate în lumea artei? Spuneți-ne ce anume influențează dvs. asupra dvs. și asupra lumii artei și designului. Trimiteți-ne la noi în secțiunea de comentarii de mai jos!
Accentsconagua