Scrierea pentru instrumente orchestrale

Unii compozitori se bucură încă de uimitorul privilegiu de a lucra cu o orchestră live pentru a-și înregistra opera. Imaginați-vă că aveți o orchestră de șir de 60 de piese doar în fața dvs., gata să vă comportați cea mai recentă compoziție. O secțiune plină de lemn și alamă chiar acolo, așteptând să faceți licitația! Deci, cum îți creezi ideile muzicale în așa fel încât fiecare parte să sune perfect și să fie "perfect potrivită" pentru acel instrument? 

Cum difuzează clarinetul într-o anumită gamă de octave? Această parte va fi prea mică pentru oboi? Cum poate partea mea de violoncel aici să însoțească cea mai bună melodie tematică de vioară pe care tocmai am scris-o? Si cand imi aduc coarnele franceze - cum o va schimba "simtul" general al piesei in acest moment special? 

În acest articol introductiv la un subiect foarte complex și foarte complex, vom examina câteva din elementele de bază care vă pot îndruma în direcția cea bună, sperăm cu câteva extrase muzicale interesante prin ilustrare.

Beethoven, Ceaikovski, Mahler și Șostakovici

Mai întâi de toate, ajută să ne amintim că scrierea orchestrală este o meserie care datează de secole. Doar câțiva oameni destul de faimoși au fost deja acolo și au făcut-o, unii destul de bine! Deci nu este o idee rea să vedem ce putem învăța de la ei. 

Mărimea și make-up-ul orchestrei au evoluat de-a lungul timpului de la secțiunile "pre-clasice" și "clasice" și "două din fiecare" secțiuni de lemn, la orchestrele "romantice" de mult mai grele ale lui Tchaikovsky, Wagner și Mahler. Tipul de scriere romantică care sa petrecut în secolul al XIX-lea și începutul secolului al XX-lea a folosit în mod obișnuit secțiuni mai mari de șir și de lemn, o completă mare de alamă și o gamă completă de percuții orchestrale. 

Apoi sunt instrumentele în sine. Unele dintre ele au evoluat în moduri radicale; trâmbițele și coarnele franceze au devenit instrumente de supapă în această perioadă, permițându-le să joace cromatic, ceea ce nu a fost posibil înainte.

Deci, ce fel de scor de zi cu zi, care se face adesea pentru filme blockbuster și jocuri de lider de piață? Nu pot să fac mai bine decât să sugerez să începi să studiezi câteva dintre scorurile orchestrale deja scrise, în special cele din perioada romantică, unde mărimea orchestrei și tipul de scor pare să se potrivească cel mai bine abordării moderne. 

Studierea muzicii orchestrale

Doar recent, am ascultat Mahler's 1st Symphony din nou, pe care îl cunosc bine din zilele studenților mei de muzică, și a fost lovită de felul în care "cinematic" sună de fapt. Motivul pentru acest lucru nu este greu de constatat. Atât de mulți scriitori de scoruri de film au copiat de multe ori despre idiomii și tehnicile acestei și a altor lucrări orchestrale romantice similare, încât pare imposibil să le auzi acum chiar așa cum ar fi fost percepuți la vremea respectivă. 

Iată un clip de la începutul celei de-a patra mișcări; cum se întâmplă acest lucru pentru o deschidere dramaturgică cu vrajă obligatorie? Ascultați la ora 1:44, observați contrapunctul muscular dintre vioară și celuloză / bas în secțiunea de șir și trombonele sunete amenințătoare și gestul cornului francez care urmează. (Extrasul de mai jos este transcris din scorul orchestral.)

Sau, iată, a 5-a Simfonie a lui Shostakovitch; un clasic romantic din secolul al XX-lea. Rețineți tema puternică a alamii care intră la ora 37:10; precedat de un vânt lemnos înflorit și apoi punctat de secțiunea timpani. Lucruri epice; suficient de puternic pentru culmea dramatică a oricărui film!  

Dar ati observat patosul solo-ului frumos de harp cu acompanierea cu sir care o preceda la 35:07? Scorul de aici este atât de simplu și totuși atât de delicat, fragil și îndrăgit. (Extrasul de mai jos este transcris din scorul orchestral.)

Cei mai mulți dintre noi sunt orchestrați MIDI!

Realitatea este că majoritatea dintre noi nu vor întâlni niciodată o orchestră de vis pentru o sesiune de studio. Trebuie să fim mulțumiți de un set de eșantioane, care lucrează în contextul pachetului nostru de secvențe. 

Aceste zile, orchestra MIDI poate fi un instrument destul de impresionant și puternic, mai ales cu mostre de la capătul pieței. Dar folosirea ei este de fapt o experiență foarte diferită în comparație cu realitatea. 

Cineva a comparat-o cu o animație pe calculator. Un designer talentat ar putea, fără îndoială, să facă o animație extrem de impresionantă pe calculator a oricărei celebrități de top. Când o vedeți, ați spune că într-adevăr vă reamintește adevărata persoană. Dar întâlnirea cu adevărata celebritate ar fi o propunere cu totul diferită. 

Așadar, să încercăm să identificăm unele diferențe-cheie, deoarece acest lucru ne va ajuta să scriem mai eficient pentru instrumente orchestrale și într-un mod mult mai impresionant.

Cum sa faci ca instrumentul tau sa fie mai realist

Orchestra reală este capabilă să joace niște lucruri care sunt practic imposibil de re-creat cu MIDI; dar, de asemenea, este foarte ușor să scrieți părți care nu pot fi interpretate bine de muzicieni vii, dacă este deloc.  

Iată patru sfaturi specifice care vă vor ajuta să evitați capcanele evidente:

• Muzicienii vii trebuie să respire. Partea de flaut liric pe care ai scris-o; ți-ai amintit să-l scrii în fraze care respiră? Chiar dacă nu ați scris în nici o odihnă, trebuie să existe un spațiu undeva pentru ca acesta să poată fi jucat și, prin urmare, credibil să asculte înapoi. Jucătorii de coarde trebuie să schimbe direcția arcului în timp ce se joacă, iar jucătorii de vânt trebuie să respire, așa că pentru a avea aranjamentele muzicale, trebuie să scriem părți care iau în considerare acest lucru. 
  
• Atunci când împărțiți părți de coarde (adică violoncele de la prima divizie pentru a reda două părți), nu fi tentat să joace fiecare parte cu același patch-uri de șir. Acest lucru va dubla în mod efectiv dimensiunea orchestrei în acel moment, dar în viața reală, de fapt, aveți doar același număr de primii jucători de vioară pentru a juca cele două părți. Instrucțiunea de scor orchestral "divisi strings" înseamnă doar că; jumătate din numărul de jucători de șir vor juca fiecare parte. Rezultatul pare diferit; mai puțin multi-strat.
  
• În lumea reală, orice muzician poate schimba articulațiile notițelor fără efort. De exemplu, jucătorii de șir pot trece de la Staccato la MARCATO, tenuto la legato la un moment dat. O secțiune bine realizată, bine repetată, poate face acest lucru fantastic, mișcându-se ca un singur corp. De fapt, multe melodii memorabile depind de efectul lor asupra articulației variate a notei în cadrul expresiei. Din păcate, acest lucru este mai greu de făcut în lumea MIDI, deoarece implică selectarea unui plasture diferit sau apăsarea unui buton de comutare pentru a schimba lungimea plicului sau a decăderii. Ca urmare, scriitorii MIDI tind să facă greșeala de a scrie părți într-o singură articulare doar pentru perioade neobișnuit de lungi. 
  
• Un alt lucru ușor de făcut în lumea reală este pentru șir de grupuri pentru a juca cu dinamica foarte variată, trecând de la moale la tare și din nou prin frază. Folosind eșantioane, acest lucru nu este chiar atât de simplu. Aceasta implică nu numai programarea părții, ci și adăugarea informațiilor despre controlerul continuu care pot crea forma dinamică generală a expresiei. Dar acest lucru este cu siguranță posibil, și că munca suplimentară va fi în valoare de ea pentru realismul extra pe care îl va crea apoi. 
  
• În cele din urmă, un punct evident poate, dar fiecare instrument orchestral are o gamă de redare.Scrierea în afara acestei game ar putea fi posibilă în lumea MIDI, dar cu siguranță va fi mai puțin realistă. Deci, partile oboi care merg sub Bb, sau partile de clarinet care merg sub E, in mod clar nu vor functiona. Multe pachete de scoruri de scriere sunt capabile să vă informeze și să vă avertizeze asupra acestor tipuri de limitări. 
  
• Dincolo de problemele legate de instrument, există un alt punct de făcut. Multe instrumente orchestrale au un timbru ușor diferit sau o colorație tonală în funcție de ce parte a gamei lor se joacă. 

Scriind bine pentru instrumente orchestrale înseamnă, prin urmare, învățarea a ceea ce poate funcționa bine în diferitele intervale de octavă ale fiecărui instrument; ce fel de fraze suna idiomatic. De exemplu, o parte mare a flautului poate suna foarte luminos; efervescentă, dar o frază legato scrisă în cea mai mică octavă poate suna melifiat, chiar seducătoare. 

Iată un exemplu celebru; deschiderea lui Debussy "Prelude a l apres-midi d'un faune". Rețineți instrucțiunea compozitorului "dulce și expresivă"; intervalul este octava de jos; cea mai mică notă a flautului este atinsă în barul 9.

Iată un alt fragment scurt; primele bare de deschidere au oboi acest moment. Cea mai mică notă despre instrument este aproape atinsă în bara 11. Acest fragment a fost recent prezentat împreună cu o serie de alte din repertoriul orchestral pe care oboiștii ar fi de așteptat să le joace pentru a face audiții pentru cele mai bune locuri de muncă orchestrale. Observați în clipul audio clarinetul echoiește oboe, de asemenea în cea mai mică octavă. 

Concluzie

Abundența mărcilor de expresie în majoritatea scorurilor orchestrale scrise ne spune că muzicienii profesioniști orchestrați se așteaptă în mod obișnuit să se descurce cu mare dexteritate și control, precum și cu o mare complexitate. Deci, dacă avem șansa, să le oferim cu adevărat ceva dificil de jucat! 

Jucătorii de coarde sunt, de asemenea, extrem de versatili și pot face cu ușurință părți care încrucișează șiruri de sunete fără probleme, dar este totuși cazul în care anumite tipuri de expresii muzicale sunt mai potrivite pentru anumite game pentru fiecare instrument. Merită să ținem cont de faptul că fiecare instrument cu lanț orchestral are patru șiruri de caractere, fiecare setându-se la propriul tuning; corzile inferioare tind să aibă un timbru ușor mai bogat și mai întunecat decât cele mai înalte.